Zehn Gewinner der Goldenen Palme von Cannes im Stream to

Zum ersten Mal in seiner 73-jährigen Geschichte die Filmfestspiele von Cannes ist gezwungen, sein Verfahren zu verschieben . Die Verschiebung ist natürlich nur eine von tausend Wegen, die die Filmindustrie angesichts der Ausbreitung des Coronavirus auf Eis gelegt hat, aber sie ist sinnvoll. Kein Festival hat so viel Bedeutung, um den Ton des Jahres im Film zu bestimmen; im Jahr 2019, Parasit gewann den Hauptpreis auf dem Weg zum Kassenerfolg und Oscar-Ruhm, und auch wenn der allgemeine Erfolg dieses Films eher ein Ausreißer war – und seither der einzige Gewinner der Palme d’Or plus Bester Film Marty 1955 – die Rolle des Festivals als Impulsgeber ist nicht zu leugnen. Die Auswirkungen des Umzugs von Cannes auf einen späteren Zeitpunkt im Jahr oder der vollständigen Schließung des Geschäfts werden erheblich sein. Aber während wir darauf warten, zu hören, wann – oder ob – das Festival 2020 stattfinden wird, sind hier 10 ehemalige Gewinner der Palme d’Or, die es wert sind, gesucht und gestreamt zu werden.

Viridiana (1961)

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Ich wollte nicht absichtlich blasphemisch sein, sagte Luis Buñuel über seine schlaue sakrilegische Fabel, aber [der Papst] kann solche Dinge besser beurteilen als ich. Das Nebeneinander von Viridiana Der Erfolg des Films in Cannes und der Skandal, den er im restlichen Europa auslöste, wo er vom Vatikan angeprangert und in Spanien vom Francisco Franco-Regime verboten wurde, deutet auf die künstlerische Brillanz des Films sowie die darin enthaltene Provokation hin. Die Geschichte einer jungen, schönen Novizin (Silvia Pinal), die (zu Unrecht) glaubt, vergewaltigt worden zu sein – und damit für alle Zeiten verwöhnt – manifestiert eine böse Satire von makelloser Empfängnis und falsch angewandter Frömmigkeit, die in einer urkomischen Sequenz gipfelt, die das Letzte Abendmahl mit eine Gruppe degenerierter Bettler, die für Jesus und seine Apostel eintreten. Niemand wusste wie Buñuel es an die katholische Kirche zu halten, und doch ist es reduzierend, es einfach zu beschreiben Viridiana als Fick-Du für die Gläubigen – es ist ein Angriff auf Autorität und Aristokratie in allen Formen, die sich gleichzeitig weigert, sich in salzigen Sentimentalitäten über diejenigen zu ergehen, die weiter unten auf der Leiter leben. Viridiana 's unverblümte Vision einer Welt ohne wahre Unschuld ist nicht menschenfeindlich, sondern kraftvoll, ohne Entschuldigung menschlich – eine schwarze Komödie ohne Mitleid und Urteil.



Die Regenschirme von Cherbourg (1964)

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Im selben Jahr, in dem Julie Andrews mit einem Sonnenschirm vom Himmel über London herabstieg, verewigte der französische Regisseur Jacques Demy den Rainy-Day-Chic und machte gleichzeitig die 21-jährige Catherine Deneuve zum Star. Anrufen Die Regenschirme von Cherbourg leichte Unterhaltung ist angesichts ihres spritzigen, schwerelosen Tons absolut passend – ihre schlanke Geschichte über ein junges Mädchen, das sich verliebt und sich verliebt, steigt in Michel Legrands süßer Partitur auf – und doch wird diese Beschreibung der Ernsthaftigkeit ihrer wirtschaftlichen Themen nicht gerecht Angst (das Objekt von Deneuves Zuneigung ist ein bescheidener Mechaniker) oder die lauernde Off-Screen-Präsenz des Algerienkrieges. Wie alle großen Musicals Die Regenschirme von Cherbourg verwandelt die Realität in Utopie, allesamt sanfte Choreographien und farblich abgestimmte Kostüme, ohne ihre Kunstfertigkeit vergessen zu lassen. Während er alten Hollywood-Musicals Tribut zollte, schuf Demy eine Genre-Vorlage für selbstreflexive Regisseure von Bob Fosse bis Spike Jonze (dessen legendäre Promo für Björks It’s Oh So Quiet eine totale Hommage ist). Charme mag im Auge des Betrachters liegen, aber wenn Sie diesen Film nicht unwiderstehlich finden, sollten Sie Ihr Sehvermögen überprüfen lassen.

Wenn … (1969)

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Die späten 1960er Jahre waren weltweit eine Brutstätte des jugendlichen Widerstands. 1968 setzte Cannes das Festival zum ersten und einzigen Mal in seiner Geschichte aus Solidarität mit den Studentenprotesten im ganzen Land aus; später in diesem Jahr brachten in den USA Demonstrationen auf dem Democratic National Convention in Chicago ähnliche Spannungen an die Oberfläche. Und 1969 verlieh Cannes die Palme einem britischen Film, der Bilder von Rebellion und Aufstand schmuggelt: Lindsay Andersons epochale Wenn… , das die Energie der amtierenden britischen Popstars der Ära von der satanischen Majestät der Rolling Stones auf die jugendlichen Wastoiden von The Who überträgt. Zwei Jahre vor seiner Rolle in Eine Uhrwerk-Orange , Malcolm McDowell spielte Mick Travis, einen Highschool-Schüler, der vor Wut auf seine Lehrer und eine Gruppe schikanierender Klassenkameraden strotzt, die mörderische Impulse schüren; Was als grimmig glaubwürdige Darstellung von Ritualen in Privatschulen beginnt, wird zu einer ungeheuerlichen, verantwortungslos berauschenden Rachefantasie, die außerhalb von Micks Kopfraum existieren kann oder auch nicht. (Kein Wunder, dass Stanley Kubrick McDowell als Alex DeLarge besetzte – seine Rolle hier ist wie ein verlängertes Vorsprechen für die einschmeichelnde Bosheit, die er in gezeigt hat Eine Uhrwerk-Orange .) Die surrealistischen Einflüsse des Films sind klar und markieren seine Abweichung vom Spülbeckenrealismus des britischen Kinos der 60er Jahre, auch wenn Anderson die gleiche tiefe, künstlerisch reiche Ader der Gesellschafts- und Klassensatire wie seine zurückhaltenderen Kollegen abbaut. Von seinem Titel an abwärts, Wenn … ist ein Film über die Macht und Gefahr der Vorstellungskraft und den verführerischen Nervenkitzel des Wunsches, unser inneres Leben nach außen zu tragen, damit alle es sehen und fürchten.

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Die Unterhaltung (1974)

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Er würde uns töten, wenn er die Chance dazu hätte. Keine Zeile veranschaulicht die Paranoia des amerikanischen Kinos der 70er Jahre besser – die scharfe, akute Angst, die die Kehrseite des ästhetischen Muskelspiels des New Hollywood war – als das Mantra in der Mitte von Francis Ford Coppolas Verschwörungsklassiker. Die wahre Bedeutung dieses Satzes und auf dessen Tod er sich bezieht, ist das zentrale Geheimnis von Die Unterhaltung , das sein allgemeines Konzept von einem anderen Gewinner der Palme d'Or (Thriller aus dem Londoner Set von 1966) hat Aufblasen ), während es für das Zeitalter von Watergate vollständig amerikanisiert wurde. Ihr (Anti-?) Held Harry Caul (Gene Hackman) ist ein einsamer Überwachungsexperte, der aus Profitgier lauscht, aber am Ende zu viel hört (und dann sieht). Nach dem dunklen, üppigen Klassizismus von Der Pate , Die Unterhaltung 's abgehackter, elliptischer Stil sah fast aus wie die Arbeit eines anderen Filmemachers, der bereit ist, mit neuen Formen und Techniken Risiken einzugehen. Und obwohl Hackman bereits einen Oscar gewonnen hatte für Die französische Verbindung , seine gemessene, rezessive Leistung als passiver, sozial distanzierter Kriecher – ein Typ, der es gewohnt war, sein Leben als Fliege an der Wand zu leben – repräsentierte einen schwindelerregenden Höhepunkt schauspielerischen Könnens.

Unter der Sonne Satans (1987)

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Er nimmt seine Palme für sein schmerzerfülltes Meisterwerk Maurice Pialat . entgegen sagte das johlende Publikum , Wenn du mich nicht magst, kann ich dir sagen, dass ich dich auch nicht mag. Mögen ist ein schwer anzuwendendes Wort Unter der Sonne Satans , ein Film, der getreu Pialats Behauptungen keine Anstalten macht, sympathisch zu sein, sondern sich auf einen zutiefst unglücklichen Protagonisten (Gérard Depardieu als spirituell unterernährten Priester) konzentriert und ihn durch eine Reihe von physischen und psychischen Befleckungen führt, die Ethan Hawkes Qualen vorwegnehmen im Erst reformiert (ein Film, der unverkennbar in Pialats Schuld gedreht wurde). Es gibt einen schmalen Grat zwischen brennender Ernsthaftigkeit und po-faced Selbstparodie, und Unter der Sonne Satans geht es tapfer und verwandelt Depardieu in ein Gefäß für frommen Pessimismus gegenüber Sandrine Bonnaire, als eine schwangere junge Frau den Mord an ihrem Liebhaber einführte - eine erschreckend fleischliche Präsenz, die dazu bestimmt ist, sich mit dem selbsthassenden heiligen Mann zu kreuzen. Pialats Bereitschaft, in Bezug auf die krasse Symbolik (einschließlich einer Begegnung mit dem buchstäblichen Teufel wahrscheinlich) den ganzen Weg zu gehen, ist sicherlich das, was seine Hasser befremdet, aber es ist auch das, was seinen Film in seiner quälenden, reuelosen Art so bemerkenswert macht. Anstatt uns zu bitten, ihn auf halbem Weg zu treffen, schleift Pialat uns am Hals über unversöhnliches Terrain, vorbei an dem Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt.

Barton Fink (1991)

Erhältlich für 3,99 $ auf Amazon Prime

Die Spielregeln mussten neu geschrieben werden, nachdem die Coens in Cannes zitiert wurden co zum Barton Fink ; Das Festival verfügte, dass von nun an zwei Preise für einen einzelnen Wettbewerbstitel vergeben werden konnten. Den Reichtum zu verteilen ist schön und gut, aber es ist nicht so, als hätte die Jury falsch geglaubt, dass die Kombination aus Hommage und Kritik des alten Hollywood-Studiosystems der Coens - dargestellt als Küstenmoloch, der John Turturros idealistischen New Yorker Dramatiker verschlingt - etwas anderes war als ein Meisterwerk. Genial konzipiert und messerscharf im Aufspießen einer Herde heiliger literarischer Nutztiere (darunter Clifford Odets und William Faulkner), Barton Fink ist so dicht und komplex wie die Arbeit der Coens. Außerdem kann die Ironie, dass die Brüder so extravagant für einen Film gefeiert werden, in dem es hauptsächlich darum geht, wie kritische Anerkennung den künstlerischen Prozess entstellt, nicht unterschätzt werden. Cannes hat die Coens seitdem gut behandelt und große Preise für alles vergeben, von Fargo zu Die Ladykiller zu In Llewyn Davis, aber Barton Fink ist einer für die Rekordbücher.

Pulp Fiction (1994)

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Vielleicht hätte nur eine Jury unter der Leitung von Clint Eastwood darauf gewettet, einer Sammlung von niederen Tropen den höchsten Preis der europäischen Filmkultur zu verleihen, aber Ende 1994 stand die Schrift an der Wand: Quentin Tarantinos Retro-Fetischismus war die Zukunft des amerikanischen Kinos . Die Oscars gingen mit Forrest Gump , aber 25 Jahre später ist klar, dass Pulp Fiction den Krieg gewonnen : Wahrscheinlich ist es der einzige Film, den jeder, der diese Liste liest, gesehen hat. Es sei auch daran erinnert, dass sich die langgestreckten, verworrenen Erzählstränge und popkulturellen Anmerkungen an einer Stelle längst normalisiert und in Epen wie . an ihre Grenzen getrieben haben Die hasserfüllten Acht und Es war einmal … in Hollywood hatte eine Berufung aus dem Nichts. Schauen Sie über die ikonischen Aufnahmen, Einzeiler und Nadeltropfen hinweg (von denen es wohl mehr gibt als in jedem amerikanischen Film der 1990er Jahre) und erinnern Sie sich daran, was gemacht hat Pulp Fiction bei den Geschmacksmachern wirklich explodieren war die pure Freude an seiner Storytelling-Taktik – die Art und Weise, wie QT immer wieder Wege fand, um unsere Erwartungen an das, was seine Charaktere als nächstes sagen und tun würden, umzuleiten und umzuleiten. Denken Sie daran, wie The Gold Watch allmählich von Christopher Walkens langem Monolog über das Verstecken einer Uhr in seinem Rektum zu Bruce Willis mutiert, der stoisch über ein Samurai-Schwert an einer Wand in Zeds Pfandhaus nachdenkt, und wie seltsam logisch und poetisch sich diese Entwicklung anfühlt progress den Moment und im Nachhinein – und dann danke Clint für den Kickstart Pulp Fiction 's Schwung in Cannes.

Elefant (2003)

Verfügbar zum Mieten für 2,99 $ auf Amazon Prime

Einige amerikanische Filmemacher haben sich neu erfunden so konsequent oder erfolgreich wie Gus Van Sant, dessen gestaltverändernde Fähigkeiten in einer fast 40-jährigen Karriere die Zuschauer beeindruckt und raten lassen. Nach dem Mainstream-Erfolg von Jagd des guten Willens – und das ebenso hochkarätige Debakel seines Schusses für Schuss Psycho Remake – Van Sant begann, sich als strenger Langzeitspezialist à la europäische Großmeister wie Béla Tarr zu stilisieren, indem er die Kamerabewegungen beschleunigte, während er das Tempo seiner Szenen zu einem bewussten Kriechen verlangsamte. Diese halb bezaubernde, halb entfremdende Ästhetik wurde perfektioniert in Elefant , eine strategische Nachbildung der Columbine-Schießereien, die den Unterschied zwischen Naturalismus, Mythos und Horrorfilmausbeutung spaltet; die Kamerafahrten durch die Gänge der High School vor, während und nach einem Massaker weckten die Gefahr von Halloween . In einer Cannes-Auswahl voller umstrittener Schwergewichte aus Lars Von Triers Dogville zu Vincent Gallos Der braune Hase , Van Sants seltsam gelassene Provokation beeindruckte eine Jury, darunter Meg Ryan und Steven Soderbergh, und erhielt neben der Palme einen Preis für die beste Regie. Jetzt angesehen, Elefant kann nicht anders, als als Produkt seiner Zeit zu spielen (d. h. die Besetzung von Das ist mein Busch! Star Timothy Bottoms als betrunkener Vater in einem unheilvoll lustigen Prolog), aber es bleibt einer der beunruhigendsten amerikanischen Filme des neuen Jahrtausends und genau so schwer zu kategorisieren oder endgültig zu interpretieren, wie es sein Schöpfer beabsichtigte.

Das Kind (2006)

Erhältlich für 3,99 $ auf Amazon Prime

In Bezug auf internationale Festivalfilme hatte kein Regisseur in den 2000er Jahren mehr Einfluss als die belgischen Brüder Jean-Pierre und Luc Dardenne, deren intensiv unter Druck stehende Geschichten über Ausdauer und Erlösung in der Arbeiterklasse Seraing einen Trend zum hartgesottenen, handgehaltenen Naturalismus einleiteten. Wenn die erste Palme des Paares 1999 für Rosetta war eine Überraschung – mit freundlicher Genehmigung eines oft schlauen, unberechenbaren kanadischen Jurypräsidenten in David Cronenberg – der Preis sieben Jahre später für Das Kind war einer Krönung ähnlich und platzierte sie ganz oben in der Arthouse-Hierarchie der Ära. Der Aufbau des Films ist pures Melodram, da ein junger Stricher seinen kleinen Sohn gefühllos verkauft und dann gezwungen ist, ihn zurückzuholen; Von da an wechselt die Geschichte die Spur, um zu einer metaphorischeren Meditation über Verantwortung und Vaterschaft zu werden. Mit ihrem unerbittlichen Tempo und der lebhaft heruntergekommenen Kulisse spielen sich die Filme der Dardennes oft wie Thriller, und Das Kind befasst sich mit Angelegenheiten der (organisierten) Kriminalität und Bestrafung, ohne seine emotionale Schärfe oder spirituelle Reinheit zu beeinträchtigen. Wie bei ihren noch größeren Bemühungen im Jahr 2002 Der Sohn , das Hauptinteresse der Dardennes gilt der menschlichen Fähigkeit zu Liebe und Vergebung, und ihre strenge Frömmigkeit gegenüber beiden führt zu Filmen, die sich wie Wunder anfühlen können.

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Der Baum des Lebens (2011)

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Oder: Bist du da, Gott? Ich bin es, Terry. Von all den Dingen, die Sie sagen können Der Baum des Lebens , das Wahrste mag sein, dass es definitiv etwas in seinem Schöpfer freigeschaltet hat. Nachdem Terrence Malick zwischen 1973 und 2011 insgesamt fünf Filme gedreht hatte, war er nach seinem Triumph in Cannes in einer relativen Träne, mit vier zutiefst spaltenden Filmen in den zehn Jahren seitdem. Und was auch immer du denkst Zum Wunder , Ritter der Pokale , Lied zu Lied , und letztes Jahr Ein verborgenes Leben , sie stehen ihrem unmittelbaren Vorgänger stilistisch so nahe, dass Der Baum des Lebens kann nicht anders, als sich wie ein Wendepunkt in der Karriere eines großen Künstlers zu fühlen. Für einige, Der Baum des Lebens 's Mischung aus Mystik und Erinnerung mag schwer zu ertragen sein, und diejenigen, die ihre Geschichten von links nach rechts erzählen müssen, könnten durch Malicks parallele Herangehensweise an die Erzählung verrückt werden, in der einzelne Szenen (oder sogar Einstellungen) das Gewicht und die Komplexität von eine ganze Kurzgeschichte; hier sind geschwindigkeit und schönheit gleichbedeutend, und um letzteres zu würdigen, muss man mit einem schnittrhythmus mithalten, der sich so schnell bewegt wie unsere synapsen. Kichern Sie bei dem flüsternden Voice-Over und den CGI-Dinosauriern, wenn Sie müssen; In einer Zeit zwanghafter Ironie als kultureller Bewältigungsmechanismus lädt Malicks ernsthafte Anmaßung sicherlich zu spöttischem Gelächter ein. Aber es hält ihm auch stand und überragt wie der uralte Evergreen seines Titels wohlwollend weniger ambitionierte Filme – also so ziemlich alles andere.

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