Die 25 besten ausländischen Filme des Jahrzehnts

Der einzige gute Grund, eine Liste der besten Filme einer bestimmten Zeit zu erstellen, besteht darin, Neugier und Konversation zu wecken, was das Ziel dieser Bestandsaufnahme von 25 wichtigen fremdsprachigen Titeln aus den 2010er Jahren ist, einer Zeit, in der sich das internationale Kino an universelle Veränderungen angepasst hat in Technologie und Zuschauerzahlen, während sie in den Vereinigten Staaten stärker Fuß fassen als je zuvor.

Sicherlich der Erfolg, gemessen an Rotten Tomatoes Scores und Oscars, eines Films wie Rom (2018) deutete auf eine Empfänglichkeit der US-Kritiker (und des Publikums) hin, um untertitelte Gerichte zu feiern; im Gegensatz zu früheren Importen des 21. Hockender Tiger, versteckter Drache (2000) oder Held (2002) stützte sich Alfonso Cuaróns Drama für seine Popularität nicht auf Genre-Tropen. Aber der große Vertriebsvertrag des Films über Netflix deutete darauf hin, dass die Arthouse-Wirtschaft bis zu einem gewissen Grad online gegangen war, wobei Cuarón sich nicht nur US-Autoren wie Martin Scorsese und den Coens anschloss, um Schecks vom Streaming-Riesen einzulösen, sondern auch Cannes-Konkurrenten wie Südkoreas Bong Joon-ho. In der Zwischenzeit hat das Aufkommen von Nischen-Streaming-Diensten wie FilmStruck und Criterion Channel in den letzten Jahren möglicherweise zu einer größeren Verfügbarkeit und einem größeren Zugang zu fremdsprachigen Filmen aus Vergangenheit und Gegenwart geführt – einer Vielfalt, die die größten Akteure im Online-Spiel ( zB Disney) würden genauso schnell ausgelöscht sehen, im Thanos-Stil.

Was die Filme selbst angeht, ist es zwar unmöglich, einem globalen Werk eine Reihe von Themen und Trends aufzuzwingen, aber es scheint, dass der hartnäckige Realismus, der in den 2000er Jahren so in Mode war – hauptsächlich durch den Erfolg der Dardenne-Brüder angetrieben wurde – ist etwas zurückgegangen, was eine breiter gestylte Reihe von Festival-Lieblingen ermöglicht: Wenn man sich entscheiden müsste, würden einige Programmierer wahrscheinlich den verträumten Drift von Apichatpong Weerasethakul als den umfassendsten ästhetischen Einfluss des Jahrzehnts auf das nicht-westliche Kino anführen, während die geschickte Gentrifizierung vonr Genre praktiziert von Bong, Park Chan-wook, Nicolas Winding Refn und Guillermo del Toro (der seitdem nicht mehr auf Mexiko zurückgeschaut hat) Pans Labyrinth) wirft weiterhin einen langen Schatten. Das anhaltende Schaffen von Jean-Luc Godard, der mehr denn je wie der letzte Mann seiner Generation aussieht, bot ein wichtiges Argument für die alte Garde, obwohl die Emotionen online nach dem Tod der brillanten New-Wave-Innovatorin Agnès . im März Varda bezeugte ihren heroischen Status unter jüngeren Cinephilen.



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Die Liste ist nicht geordnet, sondern alphabetisch geordnet – vielleicht ein einfacher Ausweg, aber meine gewählte Route trotzdem. Damit der Auteurismus nicht ausufert, habe ich mich auf einen Film pro Regisseur beschränkt, aber ansonsten war das Feld weit offen. Leider habe ich keinen Platz für französisch-kanadische Filme gefunden, und (vielleicht ist es der englisch-kanadische in mir) ich kann nicht anders, als das Gefühl zu haben, dass Großbritannien in dieser Situation verarscht wird, obwohl einige der besten britischen Filme der letzten Zeit sind könnte davon profitieren, mit Untertiteln angeschaut zu werden (z. B. Ben Wheatleys Tötungsliste, der zufällig auch mein aktueller Lieblingsfilm des Jahrzehnts ist, in jeder Sprache, für diejenigen, die zu Hause die Partitur behalten). Und anstatt zu versuchen, in dieser subjektiven Sammlung von Funktionen irgendwelche Trends oder Themen herauszupicken (oder aufzuzwingen), schlage ich einfach vor, dass es abenteuerlich ist Klingelton Leser suchen sie auf und melden sich zurück.


Tausendundeine Nacht (2015, Miguel Gomes)

Ich hätte den portugiesischen Regisseur genauso gut für die schöne, schmerzlich zerbrechliche Liebesgeschichte von 2012 gewinnen können Tabu , aber der Umfang und das Ausmaß seiner sechsstündigen Interpretation von Tausendundeine Nacht kann nicht geleugnet werden. Gomes' konzeptioneller Rahmen ist hier die Fabel von Scheherazade, der Frau des Sultans, die ihrem Mann Geschichten erzählen muss, als würde ihr Leben davon abhängen – weil sie es tut. (Wir sollen glauben, dass der Filmemacher auch versucht, seine eigene Hinrichtung abzuwehren.) Die Witze ohne Fortsetzung und Anblick-Gags sind unerbittlich, aber was Gomes' Geschichtencollage wirklich eint – die meisten spielen in der heutigen Zeit, obwohl sie ein bisschen sind altmodischer Bühnenkunst und alle in gewisser Weise auf aktuelle Ereignisse bezogen – ist die Notwendigkeit des Erzählens selbst: Wir erzählen uns Geschichten, um zu leben.

Der Attentäter (2015, Hou Hsiao-hsien)

Chinas Tang-Dynastie aus dem neunten Jahrhundert bietet eine hinreißende Kulisse für Hous Martial-Arts-Melodram, ein Genre-Umweg für einen Filmemacher, dessen Produktion normalerweise Hardcore-Arthouse ist. Hou ist immer ein großartiger Choreograf von Körpern im Raum und erweist sich nicht überraschend als geschickter Action-Regisseur, obwohl er sich damit begnügt, die Gewalt in ihrem eigenen sanften, gemächlichen Tempo vorbeiziehen zu lassen. Die traditionelle Geschichte einer Mörderin, die sich verpflichtet hat, ihre Cousine zu Fall zu bringen – und dabei die lokale Regierung ihrer Region ins Chaos zu stürzen – ist robust genug, um Hous Schauspielkunst zu unterstützen. Und in der Titelrolle ist Shu Qi magnetisch: ein anmutiger Todesengel, der stattdessen die Barmherzigkeit wählt.

Attenberg (2011, Athen Rachel Tsangari)

Der Aufstieg der sogenannten Griechische seltsame Welle wurde 2010 eingeläutet von Hundezahn , ein bösartiges Kammerspiel mit einer äußerst dysfunktionalen Familie; sein Direktor, Yorgos Lanthimos, würde schließlich mit dem Oscar-Ruhm graduieren Der Favorit. Ich bevorzuge eigentlich die weniger Wilden – aber genauso bizarr – Attenberg, die Lanthimos als potenzielle Geliebte der schlaksigen, sexphobischen Ariane Labed darstellt, einem Mädchen, das immer noch an der intensiven, aber platonischen Intimität festhält, die sie mit ihrem sterbenden Vater teilt. Ihre all-in-the-Familie-Angewohnheit, zusammen im Bett Naturdokumentationen anzuschauen (und zu imitieren), rahmt Tsangaris Film als eine ironische, anthropologische Studie des menschlichen Tieres ein, die von den Post-Punk-Ikonen Suicide unvergesslich vertont wird.

Verbrennung (2018, Lee Chang-dong)

Der Ringer Top-Film des Jahres 2018 ist eine Meisterklasse in Bezug auf die Sichtweise, die unsere Perspektive auf die seines wütenden, sexuell aufgestauten, finanzschnallen Protagonisten beschränkt, bis wir uns ebenso sicher sind, dass der arrogante, gutaussehende reiche Arsch ( Steven Yeun ), der seine Freundin gestohlen hat (während er buchstäblich im Gangnam-Stil lebte), ist eigentlich ein soziopathischer Serienmörder. Nicht, dass Lees Meisterwerk mit perfektem Pokergesicht jemals seine Hand zeigt; wie jeder wirklich anhaltende Thriller ist er mit einem Fragezeichen versehen.

Friedhof der Pracht (2015, Apichatpong Weerasethakul)

Apicatpong macht Filme, die sich wie luzide Träume anfühlen, also liegt es an der Marke Friedhof der Pracht handelt von einer Epidemie der Schlafkrankheit, einer eleganten Metapher für ein Land, das langsam in einen Zustand politischer Lähmung eingelullt wird. In einer ländlichen Klinik, in der die Halluzinationen der Opfer mit farbcodierten Röhrchen aufgezeichnet werden, sucht eine Krankenschwester nach Wegen, mit den gefallenen Männern zu kommunizieren. Kein internationaler Filmemacher übte so gütigen Einfluss aus wie das thailändische Wunderkind, dessen Palme d’Or 2010 für die ähnlich faszinierenden Onkel Boonmee, der sich an seine früheren Leben erinnern kann eröffnete die Möglichkeiten für ein ruhiges, poetisches, populäres Kunstkino; auf seine zurückhaltende, betörende Art ist er einer der echten künstlerischen Helden des Jahrzehnts.

Sehen (2012, SS Rajamouli)

Ein unschuldiger Mann, der von seinem romantischen Rivalen getötet wird, wird als Stubenfliege wiedergeboren und übt seine Slapstick-Rache in Rajamoulis Telugu-Blockbuster aus, einer bewusst ausgefallenen, endlos erfinderischen Action-Komödie mit einem märchenhaften Rahmen à la Die Prinzessin Braut und der unerbittliche, kinetische Witz eines klassischen Warner Bros.-Cartoon. Hier gibt es keinen Cronenberg-Körperhorror, sondern nur kompromisslosen Wahnsinn, der auf das Niveau der Erhabenheit gehoben wird. Gleichzeitig ist es unmöglich, nicht gerührt zu sein, wenn unser mikroskopisch kleiner Held mit seinen Flügeln seiner trauernden Geliebten eine Notiz mit ihren Tränen als Tinte schreibt. Fast unmöglich ernst zu nehmen, eigentlich unmöglich, nicht zu mögen.

Es (2016, Paul Verhoeven)

Nachdem Verhoeven wegen Verbrechen gegen den guten Geschmack (eine Anklage, für die er sich nur schuldig bekannt hat) aus Holland und Hollywood auf einer Schiene vertrieben wurde, brach er in die verkommene Landschaft Frankreichs auf, wo es ihm erneut gelang, zu beleidigen. Als Videospieldesignerin, die entschlossen ist, ihren Vergewaltiger aufzuspüren – unter anderem aus Rachegründen – ist Isabelle Huppert das perfekte stumpfe, elegante Instrument für Es 's hämmernde Satire; böse, brutal und klein, und mit der besten Ausrede der Branche bewaffnet, ist sie wie ein in hauchdünner Klauenhammer gehüllter Klauenhammer.

Höhere Gewalt (2014, Ruben Östlund)

Sundance 2020 bringt Bergab , Nat Faxon und Jim Rashs englischsprachiger Will Ferrell–und–Julia Louis-Dreyfus–mit einer Überarbeitung des schwedischen Importhits Höhere Gewalt. Während die komische Prämisse des Originals zweifellos universell war – ein gehetzter Vater verlässt seine Familie während einer Lawine in einem Skigebiet und muss sich ihnen dann mit dem Schwanz zwischen den Beinen stellen –, scheint es unwahrscheinlich, dass die Amerikaner Östlunds trockene Meisterschaft erreichen werden, die auch so war ausgestellt in seinem Palme d'Or-Gewinner Der Platz. Östlunds Kombinationsfilme aus zermürbendem Realismus und erbärmlicher Satire brachten einige dazu, ihn als den neuen Michael Haneke zu brandmarken – aber seine lustigen Spiele sind eigentlich, nun ja, lustig.

Glücklich wie Lazarus (2018, Alice Rohrwacher)

Der Held von Rohrwachers täuschend sanftem modernen Märchen – basierend auf der bizarren wahren Geschichte eines abgelegenen italienischen Dorfes, dessen Bewohner bis in die frühen 1980er-Jahre hinein als Zehntzahler betrogen wurden – handelt von einem jungen Mann, der Freude daran hat, anderen zu helfen. Lazzaro lebt, um zu dienen, weil er nie einen anderen Weg gekannt hat; Als er plötzlich von seiner Anordnung befreit wird, beginnt er sich gefangen zu fühlen. Die gelehrte Güte des Charakters macht ihn nicht zu einer Folie der Ausbeutungskräfte, sondern zu ihrem Instrument. In einem Jahrzehnt, in dem Filmemacher aus aller Welt versuchten, mit den spirituellen Verwüstungen des Spätkapitalismus zu ringen, war Rohrwachers Vision vielleicht die klarste und verstörendste von allen.

Heilige Motoren (2012, Leos Carax)

Denis Lavant gab die Performance des Jahrzehnts mal 10 in Carax’ wildem Gestaltwandel Heilige Motoren, eine Sammlung von Vignetten, die auf den Reisen (und mehreren Identitäten) von Lavants Mr. Oscar basieren. Cross-Dressing-Bettler, Motion-Capture-Stuntman, Elite-Attentäter, Kanalbewohner-Mutant, sterbender Senior, verrückter Akkordeonist, Schimpanse ... er macht alles, mit Assists von Kylie Minogue, Eva Mendes und der großen französischen Schauspielerin Edith Scob, die ihn fährt und die Glasmaske trägt, die sie vor einem halben Jahrhundert im Horrorklassiker aufgesetzt hat Augen ohne Gesicht. Was das alles unter all dieser virtuosen Verrücktheit wirklich bedeutet, ist schwer zu sagen, aber lassen Sie uns es in der Zwischenzeit wegen der virtuosen Verrücktheit hören.

Jauja (2014, Lisandro Alonso)

Wir stehen für einen Filmstar, der seine Schlagkraft eher für das Gute als für das Böse einsetzt, und Viggo Mortensens Engagement für den argentinischen Autoren – indem er sich als Produktions- und Hauptdarsteller anmeldet Jauja— ist so heldenhaft wie alles, was er als Aragorn getan hat. Als dänischer Offizier, der im Argentinien des 19. Jahrhunderts versucht, seine vermisste Tochter zu bergen, projiziert Mortensen einen müden Adel, der durch seinen Status als Kolonialagent kompromittiert wird, aber im Laufe des Films fallen die Handlung und sogar der politische Kommentar zugunsten von etwas ab geräumiger und rätselhafter. Die geradezu entsetzlich schöne Kinematografie zieht einen Zauber aus, der von Alonsos langsamem Tempo unterstützt wird: Ohne David Lynch zu kopieren, zaubert der jüngere Regisseur etwas von derselben entrückten, unheimlichen Faszination.

Lass den Sonnenschein hinein (2017, Claire Denis)

Als Pariser Künstlerin, die in den tückischen Gewässern der späteren Datierung navigiert, wagt Juliette Binoche es, schrill, verwirrend, inkonsequent und unerträglich zu sein; Sie klammert sich nicht an die chaotische Essenz des Charakters und tritt selbst nach ihren eigenen hohen Standards mit einer großartigen Leistung auf. Oberflächlich leicht und witzig, aber durchsetzt von explosiven Tiefenladungen der Emotionen, plädiert Denis' romantisches Drama für den notwendigen Terror der Intimität, auch wenn es vor einer klingenden Billigung halt macht. Die Hölle sind andere Leute, sicher, aber was ist mit dem Alleinsein?

Nachbargeräusche (2013, Kleber Mendonça Filho)

Die Paranoia, die durch Mendonça Filhos Debüt der Superlative pulsiert, ist die der Besitzenden, die versuchen, sich gegen die Besitzlosen zu isolieren. Der Film spielt in einem eleganten Wohnblock in Recife, Brasilien, wo eine private Sicherheitsfirma High-Tech-Geräte installiert hat – und bewaffnete Wachen –, um die Bewohner sicher zwischen ihren Sinnbildern von Reichtum und Komfort zu schützen. Alles scheint in Ordnung zu sein, aber der brillant gestaltete Soundtrack deutet immer wieder auf einige vordringende Bedrohungen hin: Schritte, Flüstern, eine Abrechnung zum Greifen nah. Die heimtückische Gruseligkeit von Mendonça Filhos Stil bringt Nachbargeräusche in das Reich des Horrorkinos, aber es ist am gruseligsten als Allegorie über Klasse und Macht – eine lokale Geschichte mit universellen Implikationen.

Kein Heimvideo (2015, Chantal Akerman)

Das großartiger belgischer Regisseur starb kurz nach der Premiere ihres letzten Films; kein Titel auf dieser Liste war mehr mit der Sterblichkeit beschäftigt oder blickte mutiger in den Abgrund. Weitgehend als Hommage an Akermans betagte Mutter Natalia konzipiert – eine verhutzelte KZ-Überlebende mit beeindruckender Erinnerung an ihre Erfahrungen – Kein Heimvideo entfaltet sich als eine Reihe von Einzelgesprächen, persönlich oder über Skype, Rückblicke auf eine Vergangenheit, die mit diesen Frauen noch lange nicht zu Ende ist. Es ist alles mit einer präzisen, statischen Entfernung gefilmt, die als respektvolle Distanz oder als traurige Anerkennung einer mit jedem unaufhaltsamen Ticken der Uhr entgleitenden Beziehung gelesen werden kann.

Parasit (2019, Bong Joon-ho)

Ein ehrlicher Crossover-Hit, Parasit hat Bong mehr globale Sichtbarkeit gegeben als seine englischsprachigen Möchtegern-Blockbuster und positioniert ihn als einen der größten transnationalen Entertainer der Welt. Alles, was über die gesellschaftspolitische Schärfe des Films geschrieben wurde, ist lesenswert, aber ich werde diesen Raum nutzen, um über Bongs Stil zu stolpern : das absolute Vertrauen und die Klarheit in seiner Inszenierung und seinem Schnitt, Qualitäten, die jeder Action-Regisseur (einschließlich Spielberg) beneiden würde. Beobachten Sie die Leichtigkeit, mit der eine zwanglose Hangout-Szene zu einem unter Druck stehenden Versatzstück der Spannung und dann zum Horror mutiert, und stellen Sie fest, dass Sie sich in der Gesellschaft eines echten Meisters befinden.

Phönix (2014, Christian Petzold)

Die fast mathematische, strukturelle Perfektion von Petzolds Noir der Nachkriegszeit täuscht über seine emotionale Gezeitenkraft – die großen, schrecklichen, überwältigenden Emotionen, die unter seinen gekonnt minimalistischen Oberflächen wühlen. Nina Hoss spielt eine schwer verwundete jüdische KZ-Überlebende, die ein neues Gesicht für den Beginn eines neuen Lebens erhalten hat, aber auf der Suche nach ihrem finsteren, kontrollierenden deutschen Ehemann pathologisch in ein zerstörtes Berlin zurückgezogen wird. Sie findet ihn, aber er erkennt sie nicht, und die darauffolgende Intrige wird geradezu Hitchockian (mit so schwindelerregenden Wendungen der Handlung) Schwindel) ohne jemals seine allegorische Form zu verlieren. Als Meditation über die Schuld der Überlebenden, Phönix ist intelligent und beeinflusst; als Rachephantasie gipfelt es in einer Sequenz, die so verheerend ist wie alles in Inglourious Basterds , ohne einen einzigen Schuss abzufeuern.

Genau jetzt, dann falsch (2015, Hong Sang-soo)

Der Witz über Südkoreas wunderbaren Hong ist, dass er immer wieder denselben Film dreht. Mit Genau jetzt, dann falsch, Hong nennt seine Kritiker Bluff, dreht eine vertraute kleine Farce über einen geilen Filmregisseur, einen attraktiven jungen Studenten und einen Abend, an dem er gefährliche Mengen an Sake getrunken hat ... und dann auf Reset drücken, um zu zeigen, dass alles wieder passiert - das gleiche, aber unterschiedlich, mit kleinen Abweichungen, die zu einem ganz anderen Ergebnis führen. Wirklich, es gibt ein halbes Dutzend Hongs, die ich an dieser Stelle hätte haben können, aber Genau jetzt, dann falsch perfekt ausgeführtes narratives Gimmick hebt es um ein paar Zentimeter über den Rest.

Sieranevada (2016, Cristi Puiu)

Eine Familie kommt zusammen, um einem verstorbenen Patriarchen zu gedenken, und in der dreistündigen Komödie des rumänischen Regisseurs, die wie kein anderer Film des 21. Jahrhunderts die Dynamik des Familientreffens versteht, ist die Hölle los: Die Menschen sind hungrig und gereizt und betrunken, und es gibt immer einen seltsamen Onkel, der darüber redet, dass 9/11 ein Insider-Job war und Düsentreibstoff keine Stahlträger schmelzen kann. Gedreht in umherziehenden, wundersam choreografierten langen Einstellungen in einer engen Wohnung, die sich immer wieder mit Menschen füllt (die alle auf die eine oder andere Weise seltsam sind) und angetrieben von einem phänomenal komplexen Drehbuch, das Themen wie Schuld, Religion und Moderne in die grundlegende alle-familien-sind-psychotische-dünkel, Sieranevada ist anspruchsvoll, aber es lohnt sich mehr als.

Fremder am See (2013, Alain Guiradie)

Ein junger Mann fährt an einem FKK-Strand in der Provence und wird Zeuge eines scheinbaren Mordes durch Ertrinken; der Mörder ist derselbe attraktive, alpha-männliche Fremde, zu dem er sich bei seinen täglichen Besuchen hingezogen fühlt. Teils Thriller, teils Allegorie und teils schwarze Komödie, Fremder am See stellt Sex und Tod gegenüber und verbindet sie mit derselben ängstlichen, verzweifelten Neugier. Obwohl Guiraudie für seine transgressiven Komödien bekannt ist, spielt er die Genreelemente (im übertragenen Sinne) geradlinig, ohne auf explizit homoerotische Bilder zu verzichten. Zu diesem Zeitpunkt gibt es schockierende Arthouse-Provokationen wie ein Dutzend; Fremder am See ist voller Ideen (und Gefühle), die es wert sind, konfrontiert zu werden.

Das ist kein Film (2011, Jafar Panahi)

Der Titel imitiert Ehrerbietung: Panahi wird wegen aufrührerischer filmischer Aktivitäten unter Hausarrest in seine Wohnung gesperrt und lässt alle – insbesondere die iranischen Zensoren – wissen, dass diese hausgemachte Kuriosität kein Film ist, Gott bewahre. Aber natürlich ist es das, und trotz fehlender Ausrüstung, Ressourcen, Geld, Mitarbeiter oder gesetzlichem Recht, eine Kamera zu heben, erweist sich Panahi als absoluter Nicht-Filmemacher, der eine Vielzahl von Stilen und Modi integriert (Videotagebuch , Selbstportrait, Gefängnisdrama, existenzielle Komödie, Gesellschaftskritik) zu einem Dokument, das irgendwie gleichzeitig seine Gleichaltrigen (Filmemacher und soziale Aktivisten auf der ganzen Welt) erreicht und gleichzeitig einen Mittelfinger gegen seine Unterdrücker hebt.

Timbuktu (2014, Abderrahmane Sissako)

Eine islamistische Miliz überrollt ein Dorf in Mali in Sissakos gezackter Politsatire, die ihre absurden Hinweise auf die Heuchelei realer Eiferer bezieht (und auf einem realen Ereignis aus dem Jahr 2012 basiert). Inmitten eines Verbots jeglicher Leichtathletik diskutieren die Dschihadisten über ihre Lieblingsfußballer, während eine Sequenz, in der eine Gruppe von Kindern mit einem unsichtbaren Ball vor ihren Besatzern Fußball spielt, einen ephemeren, unauslöschlichen Akt des Trotzes einprägt – Imagination als Teamwork, und Sport als Solidarität.

Austin Powers James Bond

Toni Erdmann (2016, Maren Ade)

Ausnahmsweise war der allgemeine Beifall für die Vater-Tochter-Saga des deutschen Regisseurs kein Fall von Amoklauf im Konsens – es ist einfach so, dass Toni Erdmann berührt etwas Universelles. Das Thema dieses witzigen Films ist die Katharsis der Komödie selbst, in der Sandra Hüllers verkrampfter Angestellter versucht, nicht jedes Mal zu zerbrechen, wenn ihr altbackener Vater (Peter Simonischek) als namensgebender Life-Coach Toni Erdmann in ihren Raum eindringt. Im weiteren Verlauf des Films wird das Mantra des letzteren, den Humor nicht zu verlieren, neben Whitney Houstons Greatest Love of All bestätigt, das von Hüller in der wohl größten Karaoke-Szene der Filmgeschichte trällert. Sie können ihre Würde in der Tat nicht nehmen.

Ein Hauch von Sünde (2013, Jia Zhangke)

Zhangke begann seine Karriere als Outlaw-Filmemacher, der gegen Chinas staatliche Zensurgesetze arbeitete. Bis 2013 wurde ihm die Erlaubnis erteilt, seine Filme zu Hause zu veröffentlichen, obwohl er die Tendenz seiner Arbeit zur Provokation nicht abschwächen konnte. Die vier aus den Schlagzeilen gerissenen Geschichten in Ein Hauch von Sünde ein Bild von einem Land zeichnen, das von Korruption, Armut und wirtschaftlicher Angst zerrissen ist; jede Mini-Erzählung hat eine Grundlinie von bitterem Realismus, unterbrochen von Ausbrüchen überraschender, Scorsese-artiger Gewalt. Eigentlich ist Marty ein Fan von Jia und der letzten Szene von Der Wolf von der Wall Street ist so nah Ohne Finale, dass es fast eine Hommage sein könnte (wenn die Filme nicht im selben Jahr herausgekommen wären).

Viola (2012, Matías Piñeiro)

Der argentinische Regisseur fertigt Miniaturen: Seine flinken, wendigen Komödien sind oft kaum abendfüllend, aber wie William Shakespeare schrieb, ist die Kürze die Seele des Witzes. Der Barde ist auch Piñeiros großer Einfluss, wobei jeder Film nach einem Shakespeare-Text benannt ist und mit ihm vertraut ist. Viola betrifft eine Neuinszenierung einer Truppe junger Schauspieler in Buenos Aires Zwölfte Nacht (und andere Stücke) und baut etwas von der gleichen poetischen Dynamik wie seine Inspiration auf. Kein Filmemacher dieses Jahrzehnts hat mit Sprache beredter gespielt als Piñeiro, dessen bescheiden geniale, segensreich gut gelaunte Filme ein breiteres Publikum in Nordamerika verdienen.

Bleiben übrig (2017, Lucrecia Martel)

Das einzige Manko gegen Martel ist das Sie leitete eine Jury, die gab Joker einen großen Preis bei den Filmfestspielen von Venedig. Auch Genies sind nicht perfekt. Für viele Kritiker brachten die 2010er-Jahre keinen anderen Film hervor, der so perfekt konzipiert und umgesetzt wurde wie Martels zeitgenössisches Stück aus dem 18. Bleiben übrig , die einen mittelmäßigen Kolonialoffizier in einem patagonischen Fegefeuer gefangen hält, wo die Zeit (und damit auch sein Ehrgeiz) quälend stillsteht. Als Zeitlupenkomödie der Manieren, Bleiben übrig konkurriert mit Kubricks monumentalem Barry Lyndon— Das ist das künstlerische Niveau, an dem Martel arbeitet.

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